QUEL CHE RESTA DELL’ARTE CONTEMPORANEA:

GENOCIDIO DI INSETTI AL VITTORIANO CON LE OPERE DI ENZO FIORE

Non è una mostra di zoologia applicata all’arte, ma è una mostra di arte contemporanea, “Genesi: i miti della storia”. Un percorso espositivo di oltre 70 ritratti di personaggi celebri dell’arte realizzati con materiali organici dai quali viene fuori la conformazione anatomica del viso. Davanti a queste opere dalla forte suggestione estetica, si ha però l’impressione di una dispersione e di una perdita dell’idea poetica-filosofica dell’arte.Radici, foglie, cemento, pietre e insetti, intrappolati nella gabbia mortale della resina per veicolare il mistero della natura: vita e morte.

Artista dotato di abilissima tecnica e spiccata sensibilità nell’indagare il mondo naturale nel tentativo di carpirne il segreto, facendo della natura organica lo strumento primario per la realizzazione dei suoi quadri.Ma bisognava realizzare oltre 70 opere con insetti per attraversare l’intreccio della vita nella sua continua metamorfosi? Sia lode al dubbio. Questa esposizione è una necessità, un disincanto o un incanto, una catarsi o una provocazione? Sia lode al dubbio.

Mentre in passato come sostiene Achille Bonito Oliva «le avanguardie storiche vivevano la felice utopia di trasformare il mondo attraverso l’arte […]» oggi l’arte trasforma «solo se stessa, la propria storia e il proprio linguaggio».

La pittura di Enzo Fiore, nel suo essere una pittura dal tratto-segno incisivo quasi una action painting, rischia di trasformare solo se stessa, lasciando fuori il pubblico, che certamente apprezzerà l’originalità e l’abilità tecnica, ma non avrà una nuova idea del mondo.

Non si può ancora parlare solo di segno o di una forma contemporanea di action painting. No, non basta più. È anacronistico. Oggi abbiamo maggiore bisogno di un pensiero altro e nuovo che faccia del segno un’eco della parola urgente e necessaria, silente o rumorosa, sinuosa o assente espressa e trasmessa dal poeta-artista: inventore dell’immaginario futuro. Non di quello passato.

Chi andrà a vedere questa mostra non percepirà la contemporaneità della natura, sempre più devastata dall’inquinamento, ma avvertirà semmai l’idea della inorganicità o della morte come imbalsamazione seriale. Una mostra basata su una panoramica ridondante di miti dell’arte visti e rivisti.Una perdita di orientamento è quel che resta dell’arte attuale fatta di deviazioni, ripetizioni, buchi neri e lievi spiragli di luce.

Eppure Enzo Fiore con il suo sguardo indaga la natura quasi poeticamente. Le sue opere invece piangono questa assenza.

Scoprite questa mostra al Vittoriano e osservatela con cura, ricordando le parole del Faust di Goethe: «Felice chi ancora può sperare/di emergere dal mare degli errori!/Ci servirebbe ciò che non sappiamo,/e di ciò che sappiamo non sappiamo servirci.»

Genesi: i miti della storia al Complesso del Vittoriano, Salone Centrale, Via San Piero in Carcere, fino al 27 Maggio 2012.

Nilla Zaira D’Urso

GREGORIO BOTTA: PIGMENTI DI UNIVERSO DIALOGANO NELL’INFINITO PRESENTE

Dimore dell’essenza in un’assenza di forme tra ombre di vita e silenzi di vuoto. Il lento fluire dell’acqua disperde la finitezza delle opere di Gregorio Botta, dove scorrono atomi di idrogeno e di ossigeno in un divenire continuo di attesa e ritorno.

Con la mostra, “L’aria non ha dimora”, la galleria Il Segno offre al pubblico un percorso espositivo sull’impercettibile evanescenza dello spazio per oltrepassare la materia, superarne la composizione atomica, e rintracciare una spiritualità perduta, laica.

Gregorio Botta presenta gli archetipi dell’universo, gli ele-menti di un pensiero invisibile e mutevole oltre l’aria e l’acqua: la temperatura, l’umidità e i vapori dell’esistenza taciuta. Nessuna forma, nessun caos. Solo pigmenti, atomi di molecole e l’infinitesimale nel vuoto solo apparente.

Accostarsi a questi lavori significa acquisire un’ iniziale forma di consapevolezza del divenire delle cose nell’invisibile vita che le circonda. Si avverte un senso di dissolvenza dell’aria, fluido silente e impalpabile che evoca nello spazio la memoria del tempo.

Ferro, piombo, terracotta, vetro, lino, carta di riso sono i materiali e le forme scelte dall’artista, che omaggia così la naturale energia molecolare della terra. Stare davanti a queste opere è un’esperienza di dialogo silente con noi stessi e sembra quasi che dicano: “Sei tu, non aver paura. Fermati”. Sorprendente e misterioso tutto ciò. Ma la magia di un’opera d’arte è data soprattutto dalla sua spiritualità come se fosse un passaggio per l’anima dell’universo.

Giorgio Botta permette di addentrarci in territori diversi, ma non per questo lontani, e ricorda a tutti noi, con grande essenzialità e sintesi poetica, l’indispensabile misura del vuoto dentro al silenzio e fuori dal silenzio.Verso un altrove misterioso. Verso la sapienza dell’universo, forse. Sentitevi liberi di cogliere o no queste sfumature della nostra esistenza. Ma andate a vedere questa mostra con la consapevolezza di vedervi nell’acqua e nell’aria senza dimora.

Fino al 16 maggio alla Galleria il Segno via Capo le Case 4, Roma.

Nilla Zaira D’Urso

        PITTURA CORALE ED EPICA

Materiale Reciclabe - Luis Fernando Màrquez Hurtado

  

Le opere di Luis Fernando Màrquez Hurtado riassumono in sé l’epifania del grottesco e il miracolo dell’esistenza nella illusione delle forme storiche e delle apparenze politiche, traducendo il peso stesso della civiltà, con i processi di civilizzazione.

C’è un antico retaggio dell’idea di catarsi, in questa pungente pittura messicana, così corale e carnale, un vaso di pandora della civiltà sotto forma di epica contemporanea in scenari leggendari e, a tratti, futuristici.

Mito o storia, il nulla o l’eterno?

Con un segno preciso e consapevole, molte volte fumettistico, Luis Màrquez dipinge e racconta i vizi e le virtù di ciò resta del mondo e dei suoi miti attraverso un mutevole montaggio di colori, icone e immagini, che richiama l’idea del flashback.

Le figure appaiono come vettori temporali, passaggi, apparentemente dispersi, che dal passato ritornano al presente e viceversa.

L’artista si diverte a utilizzare il valore della scrittura per amplificarne il significato e per dipingere le parole senza carne: nude e scheletriche.

Ma non c’è nessuna idealità o trascendenza, nella poesia pittorica di Luis Marquez, semmai una latente idea della “morte di Dio”, che allontana e smonta qualsiasi illusione di speranza, e ne viene fuori un’idea di superuomo dai rimandi  nietzschiani.

In alcune opere, come La historia eterna e Draws, è evidente una forma di giustizia terrena: l’uomo incatenato al sé terreno, un cavo teso tra la bestia e il superuomo.

Luis Màrquez riesce a sollevare profonde questioni filosofiche ed esistenziali in una eccellente e straordinaria trasposizione pittorica della contemporaneità in chiave epica,con i suoi meccanismi perversi e viscerali, (Gotico Mexicano, La Venuz de la tormenta, La historia eterna de una revelation).

Pittura dissacrante, lirica e cruenta.

Un mosaico di ironia e umorismo dai bordi cromatici per esprimere il presente della realtà messicana, e non solo, per dissolvere le onde di perbenismo, gli accenti di falso moralismo e far sentire la realtà nella sua carnale verità: gioco, violenza, morte, vita.

Nei suoi lavori, si avverte irrequietezza, disincanto, passionalità, una commistione di talento e tecnica che determinano una feroce visione  del mondo attraverso le icone dei nostri tempi e i miti del passato.

E se l’osservatore stabilirà un autentico e silente dialogo con queste opere, siamo davanti a un promettente artista contemporaneo, che riesce a dipingere intingendo la mano nella tenebra del presente.

Nilla Zaira D’Urso

NEI COLORI FILAMENTOSI SI NASCONDE LA METAMORFOSI DEL TEMPO

Danilo Maestosi, Il Teatro delle ombre

Il viaggio come paradigma simbolico di conoscenza e l’Oriente, un varco attraverso cui guardare il mondo, sono i punti centrali della pittura di Danilo Maestosi.

Un aedo contemporaneo, un cantore pittorico di viaggi e memorie storiche nell’intreccio di catrame e acrilici filamentosi, in contrasto, dentro al vortice del tempo che raccoglie e racconta: passaggi, odori, storie, spiagge, luci e ombre.

Tumultuose e fitte velature cromatiche, «in balenanti intervalli di luce e tenebra», concedono, talvolta, spazio al candore del bianco e alla luminosità del giallo-oro.

“Son tornate le rondini”, “La rotta delle tartarughe”, “L’arte della calligrafia” sono solo alcuni esempi, nei quali la visione del tempo è il nucleo tematico di una tessitura di colori, nel loro essere movimento e metamorfosi, includendo perfino la grafia stessa.

Colori accesi, vigorosi e dinamici, dai quali viene fuori una forma di nostalgia e si ha la sensazione di percepire ombre di memoria dentro a un instabile moto di striature che concedono, al contempo, profonde riflessioni sulla caducità e mutevolezza del tempo.

Per riuscire a far cogliere la profonda entità della matericità filamentosa della pittura di Maestosi, con un salto pindarico, mi piace ripensare alle parole di Montaigne, «io non descrivo l’essere, descrivo il passaggio», nel presentare queste tavole di legno, metaforicamente, “telai”, sulle quali si intrecciano i fili del tempo nella illusoria immobilità del presente.

Nilla Zaira D’Urso

Antonio Taschini, Città Sospesa

 Microcosmi di civiltà invisibili

Una poetica geometrica di figure archetipiche, assemblate nella materia argillosa, rappresenta microcosmi arcaici, collegati tra loro da cerchi, semicerchi, angoli, triangoli e da una singolare tensione verso l’alto.

Micromondi, città invisibili: una memoria degli albori della civiltà umana in un alfabeto cosmico di forme essenziali che riflettono l’urgenza di mettere insieme resti di infinito.             

Su di loro, la mano dell’artista interpreta la forza attrattiva e gravitazionale della terra, lisciando, incidendo e scavando.

Concave alcune parti delle opere, dove in uno spazio di silenzio e memoria scorre ancora il tempo. Leggere le tinte degli smalti nelle decorazioni su sfondi che richiamano il caldo colore della terra e il nero dell’universo. Ma il rosso è il colore predominante in una diatriba tra vita e fuoco.

Opere ieratiche ed enigmatiche come pietre sacre.

Sembrano incarnare l’essenza dei Kōan buddisti perché riescono a riattivare la consapevolezza del nostro essere-nel-mondo nella maniera più istintiva e primordiale.

E si rimane sedotti da queste forme arcaiche, nelle quali c’è un elogio di profonda devozione alla terra: la  grande dimora di tutte le civiltà umane.

Nilla Zaira D’Urso